Arte Verde

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Fiore per fiore, come facevano i vecchi maestri, questa è la tecnica che Bas Meeuws usa per le sue opere. Questo giovane artista, nato nei Paesi Bassi, vuole portare la bellezza reale e senza tempo nella vita quotidiana. Nel farlo ha ridato nuova linfa al tradizionale genere olandese delle Nature Morte.


Bas Meeuws, fotografo autodidatta, ha rinnovato il filone figurativo delle Nature Morte, sostituendo la fotografia digitale alla tavolozza e ai pennelli, il risultato lo porta al paragone diretto con i grandi esponenti di questo genere in voga dal XVII secolo, cui s’ispira.
Primo fra tutti Ambrosius Bosschaert (1573-1621), di cui ricorda i bouquet, dove ogni singolo fiore è dipinto con una precisione scientifica, oppure la ricchezza di flora ma anche di fauna che si ritrova in un altro rappresentante di questo genere, in altre parole il pittore fiammingo Roelant Savery (1576-1639).
Da molta attenzione alle tecniche che si adoperavano nel XVII secolo, Bas Meeuws vuole evocare nello spettatore moderno (e forse anche in se stesso) lo stesso stupore che persone di quel lontano periodo storico devono aver provato di fronte a quei dipinti. Davanti a fiori esotici, rari, costosi che non avevano mai visto prima, in un insieme di bellezza, lusso e splendore.
D’altra parte questo è il ruolo dei fiori: sedurre farfalle, api e altri insetti ma non solo, i fiori seducono anche noi.
La sua tecnica consiste nel fotografare singolarmente i fiori in diverse fasi della fioritura, al fine di sovrapporre le immagini e creare così qualcosa d’ideale e, nello stesso modo di fermare il tempo, poiché in Natura sarebbe impossibile ammirare a lungo un fiore al culmine del suo splendore.
Per questo possiamo accostare le sue fotografie all’antico genere delle vanitas, nature morte con allusioni alla caducità dell’esistenza.
Per le sue composizioni Bas Meeuws usa i fiori più belli ma anche quelli più comuni, come margherite e fiordalisi, e anche il sedano come elemento verde.
La sua carriera nel mondo della fotografia, iniziata nel 2010, e la sua passione per la botanica l’hanno portato a avere un archivio di oltre 13.000 immagini di singoli fiori, che usa per costruire i suoi bouquet.
Nelle sue fotografie la stratificazione di fiori, la bellezza della natura, la storia e la tecnica si uniscono perfettamente per creare opere di grande impatto visivo, vere e proprie opere d’arte che regalano grande stupore e, sicuramente, seducono.

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

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Fabrice Hyber, l'artista visivo francese più eco-responsabile ha seminato circa 100.000 alberi nella sua città natale, Vendée, creando così una foresta artificiale progettata come "opera d'arte" e spazio creativo per giovani artisti.
“Questa foresta ci sono molte specie di alberi, sequoie che ho seminato quando ero bambino, frassini, salici, pini, acacie, castagni, noccioli, peri selvatici, ciliegi… e anche palme -racconta Hyber-. Ci sono anche querce che hanno trecento anni”
Inizialmente, l'obiettivo era quello di proteggere le terre dei suoi genitori, che erano allevatori, dall'invasione delle colture intensive vicine. Il bosco per lui è diventato un laboratorio, un “luogo di esperienza e di piacere” e alla fine ha deciso di creare proprio lì "aree da sogno per i poeti" e di farne un luogo di scambio e incontro, lanciando lì un "festival mondiale della poesia".
Fabrice Hyber è da anni appassionato del concetto di mutazione. Con Pascale Cossart, riconosciuto specialista in microbiologia cellulare, sta preparando un lavoro scientifico illustrato sui microbi unicellulari. Onnipresente nel suo lavoro è il tema del biotopo, concepito sia come utopia che come progetto di vita. L'artista collabora da dieci anni con l'Istituto Pasteur dove ha realizzato un gigantesco mosaico ceramico in collaborazione con la fabbrica di Sèvres. Nel 2015 ha lanciato il progetto Organoid volto a far dialogare gli scienziati dell'Istituto con vari artisti (Orlan, Hervé Di Rosa, Miguel Chevalier, Barthélémy Toguo, ecc.)
A differenza delle foreste monocolture convenzionali, "che tendono ad esaurire la terra", Hyber ha voluto mescolare le specie. Come il fotografo Sebastiao Salgado, che ha piantato una foresta di 800 ettari in una regione devastata dagli allevamenti di bestiame in Brasile, Fabrice Hyber ha voluto fare della sua foresta una barriera ecologica piantando circa 300.000 semi.
Quando non è nel suo studio parigino di Pantin, è qui a Vendée che disegna, scolpisce, pota, scrutando la sua foresta con stivali di gomma e un piumino smanicato verde petardo. Un verde detto "Hyber" che caratterizza l'installazione del suo "Homme de Bessines", una delle sue prime commissioni pubbliche, nella città di Deux-Sèvres alla fine del gli anni '80.
"Il verde Hyber è il colore che assume il carpino in primavera, il colore più artificiale che ci sia", ride l'artista visivo. Ma per lui “il verde non è un colore freddo, ma energizzante”.
A volte descritto come un artista “iperconcettuale”, Fabrice Hyber è un artista-ricercatore: la sua formazione scientifica lo spinge a voler sempre capire il senso nascosto delle cose", afferma Olivier Schwartz, direttore dell'unità virus e immunità dell'Institut Pasteur che con lui ha stretto una partnership.

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Nato nel 1957 nello stato di Washington, Jim Hodges ha sviluppato, dalla fine degli anni '80, lavori radicali e originali in cui il disegno è onnipresente. Tratta la fragilità, la temporalità, l'amore e la morte usando il vocabolario della natura e traendone ispirazione. Il risultato è semplice, bello, espressivo.
Molto contrastante, il lavoro di Hodges può essere minimalista per la spogliatura di alcuni pezzi o barocco per la sua esuberanza, la ricchezza dei materiali utilizzati, i colori sontuosi e scintillanti che usa. L'artista americano esplora sia materiali modesti come carta, pezzetti di colore o fiori di stoffa, sia materiali più sofisticati come la foglia d'oro. Le sue opere, influenzate dalla natura, dalla letteratura ma anche dalla spiritualità, combinano questi materiali con un lavoro meticoloso e preciso di collage, cucito, assemblaggio e taglio.
Che si tratti di sottili ragnatele in una catena d'argento, foto ritagliate, assemblaggi di spartiti musicali, fiori appuntati o specchi rotti che disegnano un'altra immagine della realtà, Jim Hodges esprime la sua visione attraverso il suo lavoro di un mondo segnato tanto dalla bellezza e dalla gioia di vivere come di malattia e di morte.

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Philippa Lawrence vive nel Regno Unito a Spike Island ed è docente principale della Cardiff School of Art & Design. L'artista lavora sul campo e questo le dà l'opportunità di connettersi con gli altri.
"Facilito modi di vedere e di essere -afferma Lawrence- coinvolgendo le persone nell'esperienza che stanno vivendo e creando una relazione con il sito".
I suoi processi e le sue scelte sui materiali sono sempre guidati dalla ricerca e dal contesto. Lavora con una varietà di materiali e tecniche diverse: foglia d'oro, vetro soffiato, manufatti industriali, stoffa, inchiostro, fotografia, legno grezzo, lucidatura francese, smaltatura, pergamena di montone, filato, neon, insetti e piante.
Considera l'impegno umano con la terra e le sue risorse, il valore mutevole, la produzione e lo stato dei materiali, dell'arte e dei manufatti ed é coinvolta nella ricerca continua del patrimonio culturale e degli ultimi praticanti dell'artigianato tradizionale.

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Linda Tegg è un’artista contemporanea australiana che sfrutta la natura per alimentare il suo processo creativo. Le sue opere spingono al dialogo fra differenti specie nell’ecosistema urbano, invitano ad una maggiore consapevolezza ambientale facendo leva sul concetto di condivisione possibile degli spazi.
Il suo nome non è passato inosservato né alla scorsa Biennale di Architettura di Venezia, quando ha trasformato il padiglione del suo paese in una rigogliosa prateria autoctona, né al Salone del Mobile 2019 di Milano quando ha installato permanentemente alcune piante spontanee raccolte da siti abbandonati.
“Lavorando con animali e piante, ho acquisito consapevolezza della moltitudine di prospettive che possono convergere in qualsiasi luogo“, ha spiega Tegg. “Il luogo in cui parcheggiamo la nostra auto per un’ora, potrebbe essere contemporaneamente abitato da centinaia di specie di piante e animali”.
La sua installazione Infield si inserisce proprio in questo dibattito: come rendere le città svedesi più sostenibili ed etiche, attraverso un approccio migliore all’architettura, all’arte e al design, suscitando domande su come potrebbero apparire gli spazi pubblici del futuro se si lavora con la natura anziché contro di essa. L'obiettivo è proprio quello di creare spazi per le specie non umane, condividendo la città con loro.

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